El Arte Carolingio una Renovación Cultural promovida por Carlomagno vista a través de la Capilla Palatina de Aquisgrán

No cabe duda que el momento de mayor prosperidad cultural del arte carolingio se la debemos a Carlomagno. Fue coronado en el año 800 como emperador por el Papa y bajo sus dominios estaban todos los pueblos cristianos de Occidente. Carlomagno es la persona más importante desde el punto de vista cultural e intelectual y trae consigo la "renovatio Imperii",  se rodeó de personajes del mundo de la intelectualidad (Eginardo, Alcuino de York, Teodulfo, Paulo Diácono,...). Aunque su corte es itinerante, al igual que los talleres artísticos que lo  acompañan, su arquitectura es espectacular (¡Lástima que no hayan quedado casi restos!). Promueve la idea de RESTAURACIÓN DEL IMPERIO. 

Planta Capilla Paltina de Aquisgrán.

Interior Capilla Palatina de Aquisgrán

Aunque Carlomagno y su Corte no tienen residencia oficial fija, sabemos que Aquisgrán fue su preferida. Ésta se sitúa en el centro de sus grandes dominios, pero pronto termina por convertirse en el foco cultural de Europa. En el año 785 se inicia la construcción del palacio, del Aula Regia y de la Capilla Palatina; ésta última es lo que ha llegado hasta  la actualidad,  se trata del edificio central de la catedral. Es el único vestigio de aquel complejo palacial.

La Capilla Palatina es el ejemplo más importante del arte carolingio. Es un edificio inspirado en San Vital de Rávena. Consta de planta central- octogonal, con 8 pìlares unidos por arcos de medio punto, que sirven de base a la cúpula sobre el tambor. Su perímero exterior es un polígono  de 16 lados y el deambulatorio está integrado por la alternancia de espacios rectángulares y triángulares.

En el interior aparece un pórtico central flanqueado por dos torres cilíndricas que sirven de acceso al piso segundo. La decoración se centra en la policromía de las dovelas de los arcos, trabajos en bronce en la balaustrada y mosaicos (hoy muy restaurados) en el que aparece el Todopoderoso rodeado de los Ancianos del Apocalipsis.

Mosaicos

En Aquisgrán,  también conocemos la existencia en su momento, del disfrute de las aguas termales, de la posibilidad de cazar en los bosques cercanos,... con lo cual se trata de un foco muy atractivo para el Emperador, que se encargará  de embellecerla.

Reconstrucción ideal de todo el complejo

La Problemática de los Orígenes de la Ecultura Gótica

El problema de los orígenes de la escultura gótica es una cuestión compleja. Generalmente se señalan las portadas reales de Saint Denis y de Chartres  como los nuevos tanteos  de la nueva dirección estilística.



Portada Real. catedral de Chartres.



Es en Francia donde empezaron a decorar iglesias con esculturas ya en el Románico. La palabra actual de “decorar” es un poco engañosa; ya que la escultura gótica, no decoraba (como lo entendemos hoy), sino que cumplía una función didáctica, es decir de adoctrinamiento de la fe.

El pórtico de la iglesia de St. Trophime de Arlés (1180), al sur de Francia, es uno de los ejemplos más completos en esta dirección, pero todavía en estilo románico. Su portada recuerda a un arco del triunfo romano. En el tímpano nos muestra a Cristo en Gloria, rodeado de los símbolos  de los cuatro evangelistas. 

En la parte baja del dintel observamos a los doce apóstoles sentados, a la izquierda de Cristo, aparece una fila de personajes desnudos y encadenados, son los que son conducidos al infierno (y han perdido sus almas). A la derecha de Cristo, vemos a los bienaventurados.

Frente a la disposición rígida y solemne de las esculturas de Arlés surge un nuevo lenguaje, a  partir de aquí se podía distribuir las figuras de acuerdo con líneas puramente ornamentales. La escultura era una forma de escribir mediante imágenes; y los mismo sucede con los colores. Dado que los artistas no estaban obligados a estudiar o imitar gradaciones de la naturaleza; es decir, podían elegir libremente cualquier color que les gustara. El oro brillante y los luminosos azules de sus obras de orfebrería, los colores intensos de sus libros miniados, el rojo encendido y los verdes profundos de sus vidrieras muestran que no tomaron modelos de la naturaleza. El verse libre de la necesidad de imitar la naturaleza (en realidad a lo que ellos observaban), fue lo que  les permitió transmitir esa idea de lo sobrenatural.



Angel de la sonrisa.
Catedral de Reims (Francia)



Las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo. Ahora esos himnos de la Jerusalén celestial (Apocalipsis 21); desciende del Cielo a la Tierra, y así se introduce el color y el brillo.

Caracteristicas Generales de la Escultura Románica

En el Arte Románico, tanto la escultura y la pintura están muy unidas a la arquitectura. La escultura y la pintura no solamente fue decoración, sino que el objetivo principal fue el mensaje docente, ya que contenía un imortante programa iconográfica. Era habitual que estas imágenes fueran la "Biblia de los pobres" de la época, ya que al no saber leer, la visión de estas imágenes les adoctrinaba.

Se desarrolló durante los siglos XI-XII, aunque sabemos que en el ámbito rural se pudo alargar la cronología ya en época gótica.

Habitualmente la localización está en las portadas de las iglesias y en los capiteles, pero es evidente que nos encontramos estas técnicas en otros lugares. Los materiales más importantes fueron la piedra y la madera.

Los temas más habituales son el Pantocrator y la Virgen con el Niño; y la difusión de esta temática va a estar condicionados por los caminos de peregrinación y los maestros itinerantes.  El artista románico  se forma en talleres, lugardonde aprende la técnica, por ejemplo como tallar la piedra, como mezclar los colores,... El futuro artista siempre es formado por un maestro, que transmite los secretos del oficio y alcanza la perfección en su arte e incluso puede llegar a formar un taller.

Pantocrator. Iglesia de santiago. Carrión de los Condes (Palencia)

En relación a la ESCULTURA se localiza fundamentalmete en las portadas y en los capiteles. La técnica suele ser bastante primitiva pero con gran capacidad para captar las formas, el movimiento y la transmisión de emociones a la sensibilidad del fiel. Esta técnica irá mejorando debido a la influencia tardorromana, como observamos en San Martín de Fromista o la Catedral de Jaca.

Las características habituales:

* uso de principio de simetría

* Finalidad  didáctica

* Fuerte sentido narrativo

* Las figuras se adaptan al marco arquitectónico (es decir, se alargan o acortan según sea su localización)

* Tendencia a la isocefalia

* Decoración de tipo vegetal en las arquivoltas

*Las figuras de mayor proprción son las más importantes

*  Horror al vacio u " horror vacui"

Los capiteles suelen tener temas sagrados u profanos, con temas relacionados con el bestiario (león, monos, centauro, tigres,...), temas del Antiguo y Nuevo Testamento, temas de caballería,...

Arte Bizantino: Iconoclastia & Iconodulia Parte 2

En esta segunda parte,  observamos como se restaura el culto a las imágenes. La iconoclastia se declara herejía en el II Concilio de Nicea (787), pero aún así, no se levanta la prohibición hasta el año 843, con el reinado de Miguel III.
Vuelven a producirse iconos de tamaños muy variados, incluso los más pequeños se localizarian en las casas. Los materiales utilizados son la madera, el metal, el esmalte, el mosaico, pintados al temple,...
El retorno de las imágenes trae consigo la producción de un arte muy codificado, muy ligado al mensaje iconográfico y las representaciones sagradas deben atenerse a modelos o prototipos, para llevar a cabo una auténtica codificación.

Se realizan iconos de Cristos, Vírgenes y Santos, se presentan como una iconografia de contemplación, mediadores entre la visión y la espiritualidad que representan y que trascienden a la nueva materialidad.

Los ICONOS son expresiones sintéticas de la divinidad, son merecedoras de veneración, pero no de idolatría.

Se trata del símbolo de los divino frente a lo terrenal y corpóreo de los ocres y tonos oscuros destinados a manos, rostros y vestimentas, aunque el color de éstas últimas también puede comportar una simbología cromática en los casos del azul (infinito) o el rojo (el fuego del verbo divino).

Estos iconos seguían una normativa concreta, y seguían unos procedimientos técnicos para su elaboración. La pintura se realizaba sobre una tabla preparada con una tela recubierta de yeso sobre el que se dibuja la imagen con un punzón.



Virgen de Vladimir



Quizás las más conocidas de este momento son la Virgen de Vladimir y la Virgen de Jaroslav. Ambas son 2 ejemplos perfectos del tipo de iconos que se producen tras las crisis iconoclasta. Se representa la imagen sagrada realizada sobre madera que representa la Virgen con el Niño caracterizada con el convencionalismo y el estilo conservador, en el que destaca la sencillez de la composición. El fondo suele ser dorado y está presente la tridimensionalidad. El espectador observa una actitud cariñosa y protectora de la Virgen al inclinar su rostro sobre el Niño, de ahí ese gesto de humanización.

Se codifica una estilización y rostros dulces y melancólicos, con la codificación del modelo de Virgen Eleusa o de Compasión.

Arte Bizantino : Iconoclastia & Icodulia. Parte 1

En el Arte Bizantino se vive en el siglo VIII un momento de destrucción de obras de arte: pinturas, esculturas,... y se inicia un periodo en el cual se empobrece la manifestación artística en un foco, el bizantino, que había sido tan próspero.

A partir del siglo VIII se complica hasta iniciarse el periodo ICONOCLASTA, momento en el cual se prohiben la representación de imágenes hasta el siglo IX. Se trata de un periodo breve, pero con unas consecuencias decisivas, ya que acaba con el Cisma entre la Iglesia de Oriente y Occidente.

En cuanto a lo artístico, se trata de un periodo pobre; debido, por supuesto a la prohibición de crear imágenes y la destrucción de obras anteriores de época de Justiniano.

Constantinopla en este momento sufre el ataque de los árabes y ocupan la ciudad hasta el año 717-718, y se vive un clima de inseguridad del Imperio. Así que León III impone su criterio y prohibe la representación de imágenes, destruyendo todas las que se habían realizado hasta entonces.

Sta Irene de Constantinopla

Bien es verdad, que los iconoclastas no prohiben el arte figurativo en general, pensaban que la verdadera imagen de Cristo sería el pan y el vino de la Eucaristía y que el carácter inmaterial de Dios,  hacía imposible su representación.

En este momento frente a estas corrientes iconoclastas se sitúan los iconodulos, que son los defensores de la imagen, como teodoro Estudita o San juan Damasceno; para ellos las imágenes que se encuentran en el templo, están ahí para enseñar al que no sabe y también como aproximación a la revelación divina.

Las imágenes destruidas se sustituyen por símbolos, pinturas profanas o la cruz.