Arquitectura barroca italiana: Bernini y Borromini

La  arquitectura barroca es un arte eminentemente urbano, que  surge en el siglo XVII en Italia. Concretamente será Roma su centro pionero y desde ahí se irradiará a toda Europa.
Es un arte que destaca por su arquitectura irregular, majestuosa, con composiciones basadas en curvas, elipses y espirales, esculturas en sus fachadas. En su interior, la arquitectura se valió de la pintura y estucados para crear espacios únicos y muy teatralizados.

En Roma se inició la verdadera transformación urbana de una ciudad barroca a través de ejes viarios rectilineos. Uno de los arquitectos fue Carlo Maderno, artista pionero que trabaja en los siglos XVI- XVII, su obra más conocida fue la fachada de la basílica de San Pedro. Otra de las grandes obras de maderno será la iglesia de santa Susana en Roma (1603)
 Los arquitectos más significativos en Italia: Bernini y Borromini.



san Carlos de los cuatro Rios. Borromini

Bernini fue el artista preferido por los Papas. Dominó todas las artes: arquitectura, escultura,... en sus obras destaca el triunfo de la Iglesia católica. Destacan obras como:

- Baldaquino de la Basilica  san Pedro, Roma
- Plaza de san Pedro, Vaticano
- Iglesia de San Andrés del Quirinal
- La Escala Regia, Vaticano.
- Palacio Barberini

Francesco Borromini fue un arquitecto que trabajó en roma, pero se diferencia de Bernini porque cobra mayor dinamismo, mayor complicación de formas concavas y convexas, es decir crea curvas y contracurvas, con lo cual crea una combinación de luces y sombras. Se trata de un arquitecto mucho más barroco que Bernini.
Obras significativas de Borromini son estas:

- Iglesia de san Carlos  de las cuatro fuentes
- Iglesia de San ivo de la sabiduría
- Iglesia de san Juan de Letrán
- Iglesia de Sta. Inés

Grandes construcciones visigodas: principales características

Los visigodos aparecen en la Península Ibérica en el siglo V, pero hasta el siglo VI no consiguen un reino unificado y una monarquia electiva. Las grandes ciudades visigodas fueron Toledo , Tarragona u Córdoba; pero si es verdad, que sólo quedan restos en el ámbito rural , ya que los que existían en las ciudades fueron destruidos durante la invasión musulmana.

La llegada de los visigodos a la Península Ibérica no supuso una ruptura radical con todo lo anterior; es más, la transformación más impoprtante no se produce hasta el siglo VII.

Las raices del arte visigodo fueron esencialmente romanas, paleocristianas y bizantinas.

 

Interior. San Juan de Baños (Plencia)

 

 Las características más significativas son:

 

•  construcciones pequeñas en su mayoria.
•  muros gruesos y con escasos vanos
•  edificios muy rotundos y contundentes
•  planta de cruz griega o basilical
•  ábsides rectos y muy compartimentados
•  uso de sillares de piedra perfectamente tallados, colocados a soga y a tizón.
•  preferentemente uso de arco de herradura, más abierto que el arco califal; pero también de medio punto y peraltado.
•   cubiertas de madera y bóveda de cañón
•  pequeños pórticos a los pies
•  uso de frisillos, tanto al exterior como en el interior, con motivos en relieve de tipo geométricos, florales, animalísticos o figurativos.
•  ornamentación: alfa y omega, estrellas, cruces, rosetas, 
•  talla a bisel
• no se usa la escultura exenta
•   uso de cimacio.

Relieve. Quintanilla de las Viñas (Burgos)
 

Lo realmente importante de estos edificios visigodos  son los adornos y la decoración. Se utilizaron artesonados ricamente decorados, mármoles en los canceles, iconostasis bellamente decoradas, lámparas votivas, objetos sagrados, cruces, ...que contribuian a crear un ambiente muy especial.

El Inicio espectacular de las vidrieras góticas: Saint Denis y Chartres

La vidriera gótica será, sin duda, una de las grandes aportaciones del Gótico; pero no será utilizada  igual en toda Europa. Su difusión será muy importante en el norte de Francia y los primeros conjuntos de vidrieras góticas se encuentran en las catedrales de Le Mans y Poitiers, que datan del siglo XII.

La vidriera francesa tiene una gran creación desde Saint Denis,  y la experiencia de tres cuartos de siglo. En esta abadía existió un importante taller que influyó en el de Chartres y, ambos favorecieron la difusión de la vidriera del siglo XIII. 

En la cabecera de la iglesia de la abadía de Saint Denis se realizó un conjunto de vidrieras, que aunque se conservan en mal estado, destacan por la gran riqueza iconográfica y su cromatismo, que lo asemeja a la miniatura o al esmalte.

 

Cabecera Iglesia de la Abadía de saint- Denis

 

 Proceden de un taller que junto al de Chartres se convierten en los más importantes centros de producción vidriera del siglo XIII. El arquitecto de Saint Denis acristala el triforio y lo une a los ventanales superiores, compuestos por cuatro cuerpos rematados por tres óculos. Saint Denis posee también el primero de los grandes rosetones del nuevo estilo rayonnant, de manera que la parte superior del muro se disuelve en una sola pared de cristal.

 

En la catedral de Chartres se conservan vidrieras de mediados del siglo XII que están mezcladas con otras del siglo XIII, lo que permite ver los contrastes y diferencias que hay entre ellas.

 Entre los ejemplos más antiguos, de mediados del siglo XII, hay una ventana de la nave lateral sur donde se representa la imagen de Notre- Dame de la Belle- Verrière, que, después de ser salvada del incendio de 1194, se colocó de nuevo en el siglo XIII. En el centro, la Virgen con el Niño, y a los lados, una serie de ángeles. Todos los personajes aparecen cobijados por una arcada de estructuras diferentes.

 Ésta será una de las disposiciones utilizadas durante el siglo XII; otra fórmula consistía en encerrar las escenas en compartimentos de formas diversas, en forma de cuadrados o cuadrifolios.

 

Virgen con el Niño: Catedral de Chartres

 

En otra ventana del lado norte observamos el Arbol de Jesé, en el momento que sale del cuerpo del patriarca el árbol de la genealogía de la Virgen y de Cristo. Estas primeras vidrieras de la catedral de Chartres manifiestas claras influencias del taller de Saint- Denis.

Pantocrator y Juicio Final en el Románico

El Románico fue un estilo conocido como el Primer Estilo Internacional en Europa, ya que nace simultaneamente en diferentes paises europeos con características muy parecidas. Cronologicamente hablamos de los siglos XI, XII y XIII (sobre todo en el área rural).

Su difusión en gran medida, se debe a los focos de peregrinación como Santiago de compostela o Roma. Éstos propiciaron cuadrillas de maestros canteros que se trasladaban de un lugar a otro para trabajar en las muchísimas iglesias o monasterios, que estaban aflorando en este momento.

No cabe duda, que el fuerte sentimiento religioso que caracteriza a esta época fue decisivo. Durante el año 1000, se había vivido con angustia la profecia del fin del mundo y se había vivido con temor el inelucible "Juicio Final". Tema que posteriormente fue representado iconograficamente durante todo el Románico.

Estas escenas del Juicio Final y del Pantocrator o Cristo Juez, el fiel las podía ver en los ábsides de las iglesias a través de pintura mural o en los tímpanos de las  portadas de las iglesias, mediante labor escultórica y de relieve.

En la parte central se sitúa el Pantocrator, juez supremo del mundo, sentado en majestad y rodeado de la mandorla mística. El rostro se presenta serio y lejano al espectador, con los ojos almendrados y fuertemente contorneados en la pintura. Con la mano derecha bendice y tiene habitualmente dos dedos levantados; con la otra, sostiene el Libro Sagrado, las Sagradas Escrituras, que bien están cerradas,  o con el Libro abierto. Las rodillas se redondean y aparecen abultadas; y las piernas aparecen representadas más grandes en relación a su cuerpo.

Esta imagen del Cristo Juez puede aparecer acompañada del Tetramorfos, es decir los cuatro Evangelistas (San Marcos, San Juan, San Mateo y San Lucas) con sus símbolos iconográficos ( león, águila, el ángel o la persona y el toro); o tambíen puede aparecer un friso con las escenas de los Bienaventurados iendo al Cielo  y los Condenados al Infierno.  Éstos se escenifican en un ambiente de horror, con la representación de los demonios con formas espeluznantes, con alusiones a las tentaciones, la carnalidad,...; éste tema lacanzó una liberación creativa muy fantástica, donde el artista se explayó sin límites en esos seres fantásticos que estaban en su imaginación, otorgandoles un lenguaje de vibrante expresividad.

Parón en los Post del Blog

Perdonar, este parón en  los post del Blog, pero he tenido a mi hermana muy malita en el hospital, y no he tenido tiempo material para escribir. Ahora, que ya se está recuperando satisfactoriamente y en honor a ella vuelvo a ello.
Muchas gracias por todas vuestras consultas en todo este tiempo.

El Arte Carolingio una Renovación Cultural promovida por Carlomagno vista a través de la Capilla Palatina de Aquisgrán

No cabe duda que el momento de mayor prosperidad cultural del arte carolingio se la debemos a Carlomagno. Fue coronado en el año 800 como emperador por el Papa y bajo sus dominios estaban todos los pueblos cristianos de Occidente. Carlomagno es la persona más importante desde el punto de vista cultural e intelectual y trae consigo la "renovatio Imperii",  se rodeó de personajes del mundo de la intelectualidad (Eginardo, Alcuino de York, Teodulfo, Paulo Diácono,...). Aunque su corte es itinerante, al igual que los talleres artísticos que lo  acompañan, su arquitectura es espectacular (¡Lástima que no hayan quedado casi restos!). Promueve la idea de RESTAURACIÓN DEL IMPERIO. 

Planta Capilla Paltina de Aquisgrán.

Interior Capilla Palatina de Aquisgrán

Aunque Carlomagno y su Corte no tienen residencia oficial fija, sabemos que Aquisgrán fue su preferida. Ésta se sitúa en el centro de sus grandes dominios, pero pronto termina por convertirse en el foco cultural de Europa. En el año 785 se inicia la construcción del palacio, del Aula Regia y de la Capilla Palatina; ésta última es lo que ha llegado hasta  la actualidad,  se trata del edificio central de la catedral. Es el único vestigio de aquel complejo palacial.

La Capilla Palatina es el ejemplo más importante del arte carolingio. Es un edificio inspirado en San Vital de Rávena. Consta de planta central- octogonal, con 8 pìlares unidos por arcos de medio punto, que sirven de base a la cúpula sobre el tambor. Su perímero exterior es un polígono  de 16 lados y el deambulatorio está integrado por la alternancia de espacios rectángulares y triángulares.

En el interior aparece un pórtico central flanqueado por dos torres cilíndricas que sirven de acceso al piso segundo. La decoración se centra en la policromía de las dovelas de los arcos, trabajos en bronce en la balaustrada y mosaicos (hoy muy restaurados) en el que aparece el Todopoderoso rodeado de los Ancianos del Apocalipsis.

Mosaicos

En Aquisgrán,  también conocemos la existencia en su momento, del disfrute de las aguas termales, de la posibilidad de cazar en los bosques cercanos,... con lo cual se trata de un foco muy atractivo para el Emperador, que se encargará  de embellecerla.

Reconstrucción ideal de todo el complejo

La Problemática de los Orígenes de la Ecultura Gótica

El problema de los orígenes de la escultura gótica es una cuestión compleja. Generalmente se señalan las portadas reales de Saint Denis y de Chartres  como los nuevos tanteos  de la nueva dirección estilística.



Portada Real. catedral de Chartres.



Es en Francia donde empezaron a decorar iglesias con esculturas ya en el Románico. La palabra actual de “decorar” es un poco engañosa; ya que la escultura gótica, no decoraba (como lo entendemos hoy), sino que cumplía una función didáctica, es decir de adoctrinamiento de la fe.

El pórtico de la iglesia de St. Trophime de Arlés (1180), al sur de Francia, es uno de los ejemplos más completos en esta dirección, pero todavía en estilo románico. Su portada recuerda a un arco del triunfo romano. En el tímpano nos muestra a Cristo en Gloria, rodeado de los símbolos  de los cuatro evangelistas. 

En la parte baja del dintel observamos a los doce apóstoles sentados, a la izquierda de Cristo, aparece una fila de personajes desnudos y encadenados, son los que son conducidos al infierno (y han perdido sus almas). A la derecha de Cristo, vemos a los bienaventurados.

Frente a la disposición rígida y solemne de las esculturas de Arlés surge un nuevo lenguaje, a  partir de aquí se podía distribuir las figuras de acuerdo con líneas puramente ornamentales. La escultura era una forma de escribir mediante imágenes; y los mismo sucede con los colores. Dado que los artistas no estaban obligados a estudiar o imitar gradaciones de la naturaleza; es decir, podían elegir libremente cualquier color que les gustara. El oro brillante y los luminosos azules de sus obras de orfebrería, los colores intensos de sus libros miniados, el rojo encendido y los verdes profundos de sus vidrieras muestran que no tomaron modelos de la naturaleza. El verse libre de la necesidad de imitar la naturaleza (en realidad a lo que ellos observaban), fue lo que  les permitió transmitir esa idea de lo sobrenatural.



Angel de la sonrisa.
Catedral de Reims (Francia)



Las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo. Ahora esos himnos de la Jerusalén celestial (Apocalipsis 21); desciende del Cielo a la Tierra, y así se introduce el color y el brillo.